The Department of Performing and Media Arts (PMA) 
El Departamento de Artes Escénicas y Mediáticos

presents
presente

Regio (Royal)

A collaboration between choreographer Juan Manuel Aldape Muñoz, members of
Lilypad Puppet Theatre, and Latinx dancers from the Ithaca community
Una colaboración entre el coreógrafo Juan Manuel Aldape Muñoz, miembros del
Teatro Lilypad Puppet, y bailarines Latinx de la comunidad de Ithaca

May (Mayo) 21: 7:30 p.m.

May (Mayo) 23: 2:00 p.m.

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Reserve su boleto gratis en schwartztickets.com. Se le enviará un enlace por correo electrónico antes de la hora del espectáculo.

Dear community members,

In a more typical year, you would be reading this note in a physical program while gathering in a public space. As you well know, there is nothing typical about this year, and so this note must also depart from the conventions that have tended to govern it in the past.

Indeed, what we were intending as a year’s worth of programming at this time last spring has been radically reimagined. I am proud of students, staff, and faculty who have responded with inventiveness and imagination to making virtual work in socially distanced ways. I am proud that the majority of this work is centering perspectives on systemic racism and white supremacist ideology, of which the Department of Performing and Media Arts must take urgent stock, for which we must be accountable, and whose dismantling we must actively undertake. I am proud that numerous BIPOC guest artists and scholars are visiting classes and making public presentations via Zoom. And I am proud that all of this activity is free to our publics, who now more than ever need access to art and intellection that we hope will sustain us through the anxieties and exhaustions of our current political and historical circumstances. 

I look forward to a time when we may all convene again in the Schwartz Center for the Performing Arts and communally enjoy film, dance, theater, performance art, installation, public lectures, and more. In the meantime, I wish everyone reading this note physical health and emotional and spiritual well-being.

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Estimados miembros de la comunidad,

En un año más típico, estaría leyendo esta nota en un programa físico mientras se reúne en un espacio público. Como bien sabes, no hay nada típico en este año, por lo que esta nota también debe apartarse de las convenciones que han tendido a regirlo en el pasado.

De hecho, lo que pretendíamos como un año de programación la primavera pasada se ha reinventado radicalmente. Estoy orgulloso de los estudiantes, el personal y la facultad que han respondido con inventiva e imaginación para hacer trabajo virtual de maneras socialmente distanciadas. Me enorgullece que la mayor parte de este trabajo se centre en perspectivas sobre el racismo sistémico y la ideología de la supremacía blanca, de las cuales el Departamento de Artes Escénicas y Mediáticos debe hacer un balance urgente, por las que debemos rendir cuentas y cuyo desmantelamiento debemos emprender activamente. Me enorgullece que numerosos invitados, artistas y académicos BIPOC, estén visitando clases y haciendo presentaciones públicas a través de Zoom. Y me enorgullece que toda esta actividad sea gratuita para nuestros públicos, que ahora más que nunca necesitan acceso al arte y la intelección que esperamos que nos sostenga a través de las ansiedades y agotamientos de nuestras actuales circunstancias políticas e históricas.

Espero que llegue el momento en que todos podamos reunirnos nuevamente en el Centro Schwartz para las Artes Escénicas y disfrutar en comunidad del cine, la danza, el teatro, el arte escénico, la instalación, las conferencias públicas y más. Mientras tanto, deseo a todos los que leen esta nota salud física y bienestar emocional y espiritual.

—Nick Salvato

Six months before the pandemic started last year, I began a creative inquiry to uncover the unsettling dimensions behind Cornelis Visscher’s circa 1652 painting América—an image that left me uneasy since I first saw it in November 2016. A Dutch painter, Visscher depicts a giant and regal warrior woman arriving to the “New World.” In the middle of the canvas, America sits on top of an animal as if she were on a throne. Behind her is a newly developed scene full of farmers tilling the land and sheep grazing the field. Ahead of her is an indigenous land with people dancing naked and in the midst of a cannibalistic bacchanalia. Oddly, she rides into this exotic land not on a horse but on an armadillo. This picture is a glimpse of what we know full well to be a scenario of colonization, but why the armadillo as the vehicle for this process? What has changed since Visscher etched this painting over three hundred years ago, and what has become of the role of the armadillo in the hemispheric imaginary? These questions were on my mind the first months of 2020 as the pandemic began to make transparent the extreme unequal reality of lives.  

On July 14, 2021, I drove from Berkeley, California to Ithaca to start my position as a postdoctoral fellow in the Society for the Humanities and Department of Performing and Media Arts at Cornell University. The day before my departure, several of my family members whom I had planned to stay with during a stop-over in Utah contracted COVID-19; most of them being working-class service or factory persons who could not become remote employees. Not only were my plans thwarted, but them testing positive made one of my biggest fears a reality. Would I be moving across the country and be notified that one of them contracted the virus and could possibly be on the verge of dying without me being unable to return to support them? This and countless worries went through my mind on the 2,700-mile drive. I was not the only one experiencing unease. I read about the Children of Smithfield, a collective of children whose parents worked in meat factories in Crete, Nebraska. The children protested outside of the meat packing factories to demand better working conditions and personal protective equipment for their parents because their guardians were afraid to do so for fear of losing their jobs. Parents were forced to choose between the virus and homelessness. They chose the virus. Making the situation worse, some parents were adjusting to the fact that co-workers had been deported right before the pandemic resulted in everything shutting down and they would not be returning to their families anytime soon. Similarly, residents from Central Mississippi were dealing with the consequences of the largest immigration raid in U.S. history, where 680 workers in meat processing plants were arrested in August 2019.¹ 

As stories of the harrowing impacts of the pandemic on documented and undocumented immigrant workers came into sharp relief, I returned to Visscher’s painting and saw indigenous and nonindigenous migrants not as the farmers tilling those “prosperous” lands but instead as the figure of the armadillo. Visscher portrays an América unlike the (United States of) America from which I write this note, but elements of that colonial scenario resonate today. The armadillo makes evident a line of colonial thinking that connects Visscher’s imagination of America to our current reality in the United States. We have a food and social system where we convert first unwanted and then exploited indigenous and nonindigenous migrants into domesticated workers to create an illusion of prosperity for some while those who benefit ride, literally, on the back of those exploitable persons—being aware but choosing to ignore the precarious reality of those persons whose labor upholds the functioning of our entire system. 

In the middle of pandemic strife, I searched for hope in what appeared to be an ever-dimming light. I listened and read about the experiences of Children of Smithfield, the Latinx, Asian, and African migrants in non-traditional states like Mississippi, and those around me. I found myself talking to family and friends about the pandemic, food systems, immigration patterns, and religion. Over text messages and with emojis, we mourned the death of aunts, uncles, cousins, fellow workers, and strangers. We debated about the long-term challenges of the pandemic. These interactions and events inspired me to make Regio, but I felt compelled to make this production not because I wanted to tell their stories. My desire was for this project to offer a snapshot of the debates, uncertainty, resilience, and the slightest sense of hope that surrounded me and my Latinx migrant communities during the pandemic. They were already creating new worlds of hope that I was benefitting from. They were the ones making these astute analyses of the world around us, but their experiences were erased behind data and statistics. I offered choreography and performance as my contribution to these discussions. Not being able to choreograph with others because of physical distancing guidelines and shelter-in-place orders, I ventured into new aesthetic terrains thanks to the support of an amazing puppet community in Ithaca and welcoming (Afro)Latinx communities in the Tompkins County. I invite you to witness and imagine with us the systemic changes needed to make our shared collective experience better for the armadillos in our lives.  

Wishing you and yours wellbeing.

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Seis meses antes de que comenzara la pandemia en el año pasado, comencé una investigación creativa para descubrir las inquietantes dimensiones detrás del cuadro América de Cornelis Visscher de alrededor de 1652, una imagen que me dejó incómodo desde que la vi por primera vez en noviembre de 2016. Un pintor holandés, Visscher representa a una mujer guerrera, gigante y real que llega al "Nuevo Mundo". En medio del lienzo, América se sienta encima de un animal como si estuviera en un trono. Detrás de ella hay una escena recién desarrollada llena de granjeros que cultivan la tierra y ovejas que pastan en el campo. Frente a ella hay una tierra indígena con gente bailando desnuda y en medio de una bacanal caníbal. Curiosamente, se adentra en esta tierra exótica no a caballo sino en armadillo. Esta imagen es una muestra de lo que sabemos muy bien que es un escenario de colonización, pero ¿por qué el armadillo como vehículo de este proceso? ¿Qué ha cambiado desde que Visscher grabó este cuadro hace más de trescientos años, y qué ha sido del papel del armadillo en el imaginario hemisférico? Estas preguntas estaban en mi mente los primeros meses de 2020 cuando la pandemia comenzó a hacer transparente la realidad de vidas extremadamente desigual.

El 14 de julio de 2021, comencé un viaje en coche desde Berkeley, California hacia Ítaca para comenzar mi puesto como becario postdoctoral en la Sociedad de Humanidades y el Departamento de Artes Escénicas y Mediáticos de la Universidad de Cornell. El día antes de mi partida, varios de los miembros de mi familia, con los que había planeado quedarme durante un descanso en Utah, contrajeron COVID-19; la mayoría de ellos eran trabajadores de servicio o de fábrica que no podían convertirse en empleados remotos. No solo se frustraron mis planes, sino que los resultados positivos hicieron que uno de mis mayores temores se hiciera realidad. ¿Me mudaría por todo el país y luego me notificarían que uno de ellos contrajo el virus y podría estar al borde de la muerte sin que yo pudiera regresar para apoyarlos? Esto y un sinnúmero de preocupaciones pasaron por mi mente durante el viaje de 2.700 millas. No fui el único que sufría de esa inquietud. Leí sobre los Children of Smithfield, un colectivo de niños cuyos padres trabajaban en fábricas de carne en Creta, Nebraska. Los niños protestaron frente a las fábricas para exigir mejores condiciones de trabajo y equipo de protección personal para sus padres porque ellos mismos tenían miedo de hacerlo por temor a perder sus trabajos. Los padres se vieron obligados a elegir entre el virus y la falta de vivienda. Eligieron el virus. Para empeorar la situación, algunos padres se estaban adaptando al hecho de que los compañeros de trabajo habían sido deportados justo antes de que la pandemia hiciera que todo se cerrara y no regresarían con sus familias pronto. De manera similar, los residentes del centro de Mississippi estaban lidiando con las consecuencias de la redada migratoria más grande en la historia de los EE. UU., donde 680 trabajadores en plantas procesadoras de carne fueron arrestados en agosto de 2019.¹

A medida que las historias de los desgarradores impactos de la pandemia sobre los trabajadores inmigrantes documentados e indocumentados cobraron relieve, volví a la pintura de Visscher y vi a los inmigrantes indígenas y no indígenas no como los agricultores que cultivan esas tierras "prósperas", sino como la figura del armadillo. Visscher retrata una América diferente a la (Estados Unidos de) América desde la que escribo esta nota, pero hoy resuenan elementos de ese escenario colonial. El armadillo evidencia una línea de pensamiento colonial que conecta la imaginación de Visscher sobre las Américas con nuestra realidad actual en los Estados Unidos. Tenemos un sistema social y alimentario en el que convertimos primero a migrantes indígenas y no indígenas no deseados y luego explotados en trabajadores domésticos para crear una ilusión de prosperidad para algunos, mientras que los que se benefician viajan, literalmente, a lomos de esas personas explotables, siendo conscientes pero eligiendo ignorar la precaria realidad de aquellas personas cuyo trabajo sustenta el funcionamiento de todo nuestro sistema.

En medio del dolor causado por la pandemia, busqué esperanza en lo que parecía ser una luz cada vez más tenue. Escuché y leí sobre las experiencias de Children of Smithfield, los migrantes latinos, asiáticos y africanos en estados no tradicionales como Mississippi y los que me rodean. Me encontré hablando con familiares y amigos sobre la pandemia, los sistemas alimentarios, los patrones de inmigración y la religión. A través de mensajes de texto y con emojis, lloramos la muerte de tías, tíos, primos, compañeros de trabajo y extraños. Debatimos sobre los desafíos a largo plazo de la pandemia. Estas interacciones y eventos me inspiraron a hacer el Regio, pero me sentí obligado a hacer esta producción no porque quisiera contar sus historias. Mi deseo era que este proyecto ofreciera una instantánea de los debates, la incertidumbre, la resiliencia y la más mínima esperanza que me rodearon a mí y a mis comunidades de migrantes latinx durante la pandemia. Ya estaban creando nuevos mundos de esperanza de los que me estaba beneficiando. Ellos fueron los que hicieron estos astutos análisis del mundo que nos rodea, pero sus experiencias se borraron detrás de los datos y las estadísticas.

Deseándote bienestar a ti y a los tuyos.

—Dr. Juan Manuel Aldape Muñoz 

¹ You can listen to Latino USA’s coverage of this raid and its aftermath here // Se puede escuchar la cobertura de esta redada y sus secuelas en Latino USA: latinousa.org/2020/08/07/mississippiraids/ 

Regio  brings an embodied dimension to the discussions of the lives of factory workers impacted by the pandemic. This performance is part of Aldape Muñoz’s decades-long focus on creating performances that visibilize and amplify the experiences of immigrant workers (both documented and undocumented) from Central America and Mexico whose labor is essential to American industries. The pandemic has devastated Latinx and Black communities the most in the United States. In particular, meat factories that employ Latinx workers have had some of the highest single-cluster outbreaks of COVID-19. Regio will use the power of theatrical and puppetry encounters between performers and audiences to create a collective sense of how immigration impacts all of us. 

The performance incorporates two mojiganga puppets into the performance because of the puppets’ cultural relevance to the themes addressed in the performance. Mojigangas are figurines constructed from papier-mâché and cardboard. They are popular in the states of Guanajuato and Oaxaca, Mexico, regions with a high percentage of out-migration to the United States. These puppets originated in Spain to represent nobles and royalty and were introduced to the Americas during the colonization period. The mojigangas in this performance are fashioned after the factory workers and their uniforms, appropriating their original meaning of regality and re-signifying it to the working class immigrant.

The puppets will dance alongside performers to accompanying narrations about the conditions of working in factories without the proper equipment. The stories emphasize narratives of hardship, resilience, and hope. The dancers will express the physical labor that is required of these workers, as well as the precarity of their bodies in these factory plants and how they find inspiration for better conditions. 

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Regio aporta una dimensión encarnada en las discusiones sobre la vida de los trabajadores de las fábricas afectadas por la pandemia. Este desempeño es parte del enfoque de décadas de Aldape Muñoz en la creación de interpretaciones que visibilicen y amplíen las experiencias de los trabajadores inmigrantes (tanto documentados como indocumentados) de Centroamérica y México cuyo trabajo es esencial para las industrias estadounidenses. La pandemia ha afectado más a los residentes latinos y negros en los Estados Unidos. En particular, las fábricas de carne que emplean a trabajadores Latinxs son unos de los sitios con brotes más altos del virus COVID-19. Regio utilizará el poder de encuentros teatrales y de marionetas entre artistas y audiencias para crear un sentido colectivo de cómo la inmigración nos impacta a todos.

La actuación incorpora dos marionetas mojigangas debido a la relevancia cultural de las marionetas para los temas tratados en la presentación. Las mojigangas son figuras construidas de papel-mâché y cartón. Son populares en los estados de Guanajuato y Oaxaca, en México, estados con un alto porcentaje de emigración a los Estados Unidos. Estas marionetas se originaron en España para representar a los nobles y la realeza y fueron introducidas a las Américas durante el período de colonización. Las mojigangas para esta actuación se diseñaron basado en los trabajadores y sus uniformes, apropiándose del significado original de la realeza para realinearlo con la clase trabajadora inmigrante.

Los títeres bailarán junto a danzantes para acompañar narraciones sobre las condiciones de trabajo en fábricas sin el equipo adecuado. Las historias enfatizan narrativos de dificultades, resiliencia y esperanza. Los bailarines expresarán el trabajo físico que se requiere de estos trabajadores, así como la precariedad de sus cuerpos en estas plantas procesadoras de carne y cómo encuentran inspiración para mejores condiciones.

Melissa Aldape is a dancer, dance videographer, writer, and mother. She studied modern dance at the University of Utah and performed professionally with companies such as Samba Fogo (UT), Vox Medusa (MN), and became a certified Zumba instructor. She collaborated with Juan Manuel Aldape Munoz as a dance dramaturg and videographer in several pieces, including Los Tres Peligros (Mexico), PerFarmance Project (UK, Ireland and US) and Cinco Palmas (CA). When she is not working in international business development for the 3-D printing sector, she advocates for social and environmental justice causes, and enjoys spending time with her family. She has Bachelor of Arts degrees in international studies and cultural anthropology. // Melissa Aldape es bailarina, videógrafa de danza, escritora y madre. Estudió danza moderna en la Universidad de Utah y actuó profesionalmente con compañías como Samba Fogo (UT), Vox Medusa (MN) y se convirtió en instructora certificada de Zumba. Colaboró ​​con Juan Manuel Aldape Muñoz como dramaturga de danza y videógrafa en varias piezas, entre ellas Los Tres Peligros (México), PerFarmance Project (Reino Unido, Irlanda y Estados Unidos) y Cinco Palmas (CA). Cuando no está trabajando en el desarrollo de negocios internacionales para el sector de la impresión 3D, advoca por causas de justicia social y ambiental y disfruta pasar tiempo con su familia. Tiene una licenciatura en estudios internacionales y antropología cultural.

Dr. Juan Manuel Aldape Muñoz is a scholar and choreographer whose work is that intersection of border studies, social justice, and (Afro)Latinx/Latin American experiences. He’s a Mellon Postdoctoral Fellow (2020-2022) in the Society for the Humanities and an incoming assistant professor in the Department of Performing and Media Arts at Cornell University. He produces and choreographs bilingual multimedia dance theater performances that feature a fusion of (Afro)Latinx dance forms such as cumbia, bachata, and salsa with improvisational scores, contemporary dance, ballet, release technique, and hip hop. His Latinx hybrid creative process has been presented throughout Mexico, Ireland, Serbia, England, and California. He’s the former managing director of San Francisco’s Festival of Latin American Contemporary Choreographers. His academic writings can be found circulating in performance-related journals, anthologies, and public facing presses. He’s been a resident artist for venues such as the Alfredo Zalce Contemporary Art Museum (Morelia, MX), 5 Acre Farm (England), Zenon Dance Company (Minneapolis, US), and Sugar Space Arts Center (Salt Lake, US). He is the co-founder of A PerFarmance Project and Dance Cloud. PerFarmances are collaborations between farmers, migrant laborers, and performers researching the concept of food security and labor from rural and urban perspectives. DanceCloud.org is a community of dance practitioners and researchers digitally sharing the places they explore and promoting an embodied way to think about the digital space around us. He holds a PhD in performance studies from UC Berkeley (Ohlone Territory), and an MA in international performance research from the University of Warwick. He received a BFA in Modern Dance and a BA in Anthropology from the University of Utah (Shoshone/Paiute/Goshute/Ute Territory). // Dr. Juan Manuel Aldape Muñoz es un académico y coreógrafo cuyo trabajo es esa intersección de los estudios fronterizos, la justicia social y las experiencias (afro) latinx / latinoamericanas. Es becario postdoctoral de Mellon (2020-2022) en la Society for the Humanities y profesor asistente entrante en el Departamento de Artes Escénicas y Medios de la Universidad de Cornell. Produce y coreografia representaciones teatrales de danza multimedia bilingües que presentan una fusión de formas de baile (afro) latinx como cumbia, bachata y salsa con partituras de improvisación, danza contemporánea, ballet, técnica de liberación y hip hop. Su proceso creativo híbrido Latinx se ha presentado en México, Irlanda, Serbia, Inglaterra y California. Es el ex director gerente del Festival de Coreógrafos Contemporáneos Latinoamericanos de San Francisco. Sus escritos académicos se pueden encontrar circulando en revistas relacionadas con la interpretación, antologías y editoriales de cara al público. Ha sido artista residente en lugares como el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce (Morelia, MX), 5 Acre Farm (Inglaterra), Zenon Dance Company (Minneapolis, EE. UU.) Y Sugar Space Arts Center (Salt Lake, EE. UU.). Es cofundador de A PerFarmance Project y Dance Cloud. PerFarmances son colaboraciones entre agricultores, trabajadores migrantes y artistas que investigan el concepto de seguridad alimentaria y trabajo desde perspectivas rurales y urbanas. DanceCloud.org es una comunidad de practicantes de danza e investigadores que comparten digitalmente los lugares que exploran y promueven una forma incorporada de pensar sobre el espacio digital que nos rodea. Tiene un doctorado en estudios de interpretación de UC Berkeley (Territorio de Ohlone) y una maestría en investigación de interpretación internacional de la Universidad de Warwick. Recibió un BFA en Danza Moderna y un BA en Antropología de la Universidad de Utah (Shoshone / Paiute / Goshute / Ute Territory). 

Azucena Campos Lopez is a clinical psychologist whose main focus has been prevention and intervention of child abuse and neglect. She was born and raised in Hermosillo, Sonora, Mexico. Azucena graduated from the Universidad de Sonora with a B.S in clinical psychology in 2006. After college, Azucena became an international Au Pair in the United States for one year. It was during her time as an Au Pair that she met her husband, and moved permanently to the US in 2009. She has worked mainly in nonprofit organizations involving children’s welfare. Azucena has been dancing from a young age, mainly in folkloric, and contemporary dance. She is involved with the Latino Civic Association of Tompkins County as one of the codirectors of Cultura. // Azucena Campos López es una psicóloga clínica cuyo enfoque principal ha sido la prevención e intervención del abuso y negligencia infantil. Nació y creció en Hermosillo, Sonora, México. Azucena se graduó de la Universidad de Sonora con una licenciatura en psicología clínica en 2006. Después de la universidad, Azucena trabajó como Au Pair internacional en los Estados Unidos durante un año. Fue durante su tiempo como Au Pair que conoció a su esposo y se mudó permanentemente a los EE. UU. en 2009. Ha trabajado principalmente en organizaciones sin fines de lucro relacionadas con el bienestar de los niños. Azucena ha estado bailando desde muy joven, principalmente en danza folclórica y contemporánea. Está involucrada con la Asociación Cívica Latina del Condado de Tompkins como una de las codirectoras de Cultura.

Juliana Garcia is originally from Fort Worth, Texas but moved to the Ithaca, NY area in 2010. She founded Ballet Folklorico de Ithaca in 2013 and enjoyed teaching and dancing with the group for 5 years. The group has since been on a hiatus but she would love to see it make a comeback at some point. Currently, Juliana is a social worker in the community and has a passion for community organizing. // Juliana García es originaria de Fort Worth, Texas, pero se mudó al region de Ithaca, NY en 2010. Fundó el Ballet Folklórico de Ithaca en 2013 y disfrutó enseñando y bailando con el grupo durante 5 años. Desde entonces, el grupo ha estado en una pausa, pero le encantaría verlo regresar en algún momento. Actualmente, Juliana es trabajadora social en la comunidad y le apasiona la organización comunitaria.

Mark Whitmore is a Finger Lakes local who has been acting since playing Oliver at age 9. More recently Mark has appeared in The Ithaca Shakespeare Company's As You Like It as Jaques and part of the Ensemble in House of Ithaqua's The Skriker. Mark's favorite pleasures include baking bread, mountain biking and climbing trees. Mark is happy to be returning to performance with such lovely people and in a capacity that involves joyful dance. // es un local de Finger Lakes que ha estado actuando desde que interpretó a Oliver a los 9 años. Más recientemente, Mark apareció en el rol de Jaques en As You Like It (Como te Guste) de The Ithaca Shakespeare Company y formó parte del Ensemble en The Skriker de House of Ithaqua. Los placeres favoritos de Mark incluyen haciendo pan, montando en bicicleta de montaña y trepando a los árboles. Mark está feliz de volver a la actuación con gente tan encantadora y en una capacidad que incluye un baile alegre.

VOICE ACTORS/ACTORES DE VOZ

Angel Aldape, hailing from Guanajuato, Mexico, is a musician by hobby, playing guitar, keys, accordion and vocals with his norteña band Grupo Caporal. They energize stages each weekend with cumbias, rancheras, baladas and norteñas. During the week, Angel works as a conductor for a recycling plant in Salt Lake City, UT, where he has been a loyal employee for over 25 years. While he is a natural comedian, this is his first voice acting collaboration with his son, Juan Manuel Aldape Munoz. // Angel Aldape, originario de Guanajuato, México, es músico en su pasatiempo, toca guitarra, teclado, acordeón y voz con su banda norteña Grupo Caporal. Energizan escenarios cada fin de semana con cumbias, rancheras, baladas y norteñas. Durante la semana, Angel trabaja como conductor de una máquina pesada en una planta de reciclaje en Salt Lake City, UT, donde ha sido un empleado leal durante más de 25 años. Si bien es un comediante nato, esta es su primera colaboración de doblaje con su hijo, Juan Manuel Aldape Muñoz.

Maria de los Angeles Aldape Muñoz, originally from Guanajuato Mexico, is a born dancer and avid zumba enthusiast. She brings the joy and humor of movement to every dance floor, social gathering and is credited with teaching her son, Juan Manuel Aldape Munoz, his rhythm. Her grandchildren are blessed to have her as a caretaker, and she loves a clean home. Hopefully the first of many, this is her voice acting debut. // María de los Ángeles Aldape Muñoz, originaria de Guanajuato México, es una bailarina nata y ávida entusiasta de la zumba. Ella trae la alegría y el humor del movimiento a cada pista de baile, reunión social y se le atribuye haber enseñado su ritmo a su hijo, Juan Manuel Aldape Muñoz. Sus nietos tienen la suerte de tenerla como cuidadora, y le gusta tener una casa limpia. Con suerte el primero de muchos, este es su debut como actriz de voz.

MOJIGANGA CREATORS / CREADORES DE MOJIGANGAS

Lily Gershon, also known as LilySilly, is a puppeteer, puppet-builder, singer, and director of the non-profit Lilypad Puppet Theatre. She makes art from mostly reclaimed materials at her eco-homestead in Freeville, NY. Her theatre produces a monthly puppet series for families and an annual Crankie Cabaret. More info at lilypadpuppettheatre.org. // Lily Gershon, también conocida como LilySilly, es titiritero, constructor de títeres, cantante y director del Teatro de Marionetas Lilypad, una organización sin fines de lucro. Hace arte a partir de materiales en su mayoría recuperados en su eco-granja en Freeville, Nueva York. Su teatro produce una serie mensual de marionetas para familias y un Crankie Cabaret anual. Más información en lilypadpuppettheatre.org.

Marietta Synodis is a performative storyteller—telling stories through a variety of mediums that include acting, puppetry, dance, and radio. She built her first mojiganga after an extended visit to her mother's native Mexico, where she was inspired by the whimsy of these larger than life characters parading through the streets. Previously Marietta worked for the award-winning NPR show State of the Re:Union and she is currently producing THIS is Ithaca—a podcast about community and the people who build it. Locally she has studied with the Actor’s Workshop of Ithaca and is a member of Lilypad Puppet Theatre. She has spent her COVID-19 quarantine building her own home. // Marietta Synodis es una narradora escénica que cuenta historias a través de una variedad de medios que incluyen la actuación, los títeres, la danza y la radio. Construyó su primera mojiganga después de una visita prolongada al México, tierra natal de su madre, donde se inspiró en la fantasía de estos personajes más grandes que la vida desfilando por las calles. Anteriormente, Marietta trabajó para el galardonado programa de NPR State of the Re:Union (Estado del Re:Union) y actualmente está produciendo ESTA es Ithaca (THIS is Ithaca), un podcast sobre la comunidad y las personas que la construyen. A nivel local, ha estudiado con el Taller de Actores de Ithaca y es miembro del Teatro de Marionetas Lilypad. Ha pasado su cuarentena del COVID-19 construyendo su propia casa.

TRIO PUPPET CREATORS / CREADORES DE TÍTERES TRÍO

Juan Manuel Aldape Muñoz

Nathaniel Posner is a writer and artist based in Ithaca, NY. // Nathaniel Posner es un escritor y artista radicado en Ítaca, NY.

CRANKIE BOX PUPPET CREATORS & PUPPETEERS / 
CREADORES Y TITIRITEROS DE LA CAJA CRANKIE

Melissa Aldape
Juan Manuel Aldape Muñoz

MUSIC DESIGN / DISEÑO DE MÚSICA

(In collaboration with // En colaboración con Juan Manuel Aldape Muñoz)

Rene Posner is a student musician at Ithaca High School. He enjoys music production, and this project was a perfect opportunity to collaborate on that. He also plays the piano, guitar, and drums. Hear more of his music at soundcloud.com/blueabacus. // Rene Posner es estudiante y músico en la preparatoria de Ítaca. Le gusta la producción musical y este proyecto fue una oportunidad perfecta para colaborar en eso. También toca el piano, la guitarra y la batería. Escuche más de su música en soundcloud.com/blueabacus.

CINEMATOGRAPHY / CINEMATOGRAFÍA

Juan Manuel Aldape Muñoz

AERIAL CINEMATOGRAPHY / CINEMATOGRAFÍA AÉREA

Shira Evergreen (’02) is a documentary filmmaker and graphic designer. She was the recipient of the 2019 “Artist in Community” Grant from Community Arts Partnership (CAP) for her documentary about Ithaca’s social-justice murals, and she was the 2018 Ithaca Festival Artist. Her film "Empowered: Power from the People” (2012) screened at environmental film festivals around the country, and her recent film “Our Farmers in Flux: Adapting to Climate Change” was used as part of Tracy Mitrano’s campaign for Congress. Shira served as the Director of Education and Outreach for Arts Engine in NYC for four years, directing the Media That Matters Film Festival (best nonprofit website SXSW '05) and running workshops on grassroots film distribution, youth filmmaking and media justice around the country. She has made films for many local organizations including Cornell Milstein Program in Technology & Humanity, The History Center, Kitchen Theatre, The Cherry Arts, Civic Ensemble, and LilyPad Puppet Theatre. Aerial video website: www.upliftedithaca.com Artist website: www.shirari.com // Shira Evergreen ('02) es directora de documentales y diseñadora gráfica. Recibió la Beca de "Artista en la Comunidad" de 2019 de la Asociación de Artes Comunitarias (CAP) por su documental sobre los murales de justicia social de Ítaca, y fue Artista del Festival de Ítaca de 2018. Su película "Empowered: Power from the People" (Empoderado: el Poder de la Gente, 2012) se proyectó en festivales de cine ambiental en todo el país, y su reciente película "Our Farmers in Flux: Adating to Climate Change" (Nuestros Agricultores en Flujo: Adaptándose al Cambio Climático) se utilizó como parte de la campaña de Tracy Mitrano para el Congreso. Shira sirvió como Directora de Educación y Difusión de Arts Engine (Motor de Artes) en Nueva York durante cuatro años, dirigiendo el festival de cine Media That Matters (Medios que Importan, mejor sitio web sin fines de lucro SXSW '05) y realizando talleres sobre distribución de películas de base, realización de películas para jóvenes y justicia mediática en todo el país. Hizo películas para muchas organizaciones locales, incluido el Programa Milstein en Tecnología y Humanidad de Cornell, The History Center (Centro de Historia), Kitchen Theatre (Teatro Cocina), The Cherry Arts, Civic Ensemble y LilyPad Puppet Theatre Sitio web de videos aéreos: www.upliftedithaca.com Sitio web del artista: www.shirari.com

ON-SITE TECH SUPPORT / SOPORTE TÉCNICO IN SITU

Jocelyn Gomez helped record the voices for Regio. She is passionate about helping others and learning about new ways she can improve herself. Her hobbies include participating in art projects, going on hikes, and spending time with friends and family. Jocelyn really enjoys learning about the brain and hopes to go into neurology. // Jocelyn Gomez ayudó a grabar las voces de Regio. Le apasiona ayudar a los demás y aprender nuevas formas en las que puede mejorarse a sí misma. Sus pasatiempos incluyen participar en proyectos de arte, hacer caminatas y pasar tiempo con amigos y familiares. Jocelyn disfruta mucho aprendiendo sobre el cerebro y espera dedicarse a la neurología.

RESEARCH ASSISTANT / ASISTENTE DE INVESTIGACIÓN

Taylor Bazos is a sophomore double majoring in performing and media arts and Spanish at Cornell University. She was the artistic director for the original musical Geek, which she brought Off Broadway and to the Edinburgh Fringe Festival in Scotland. She also works as a teaching artist for the Irondale Theater Company, where she uses improv to help STEM students improve their science communication skills. At Cornell, Taylor is a part of the cinematic society, Delta Kappa Alpha, and the a cappella group Less Than Three. Taylor is honored to be a part of this unique and important project. // Taylor Bazos es estudiante de segundo año con especialización en artes escénicas y mediáticas y español en la Universidad de Cornell. Fue la directora artística Geek, un musical original que llevó al Off Broadway y al Festival Fringe de Edimburgo en Escocia. También trabaja como artista docente para Irondale Theatre Company, donde utiliza la improvisación para ayudar a los estudiantes de STEM a mejorar sus habilidades de comunicación científica. En Cornell, Taylor es parte de la sociedad cinematográfica, Delta Kappa Alpha, y del grupo a cappella Less Than Three (Menos Que Tres). Taylor se siente honrada de ser parte de este proyecto único e importante.

PRODUCTION CREW / EQUIPO DE PRODUCCIÓN

Scenery & Properties Construction Crew/Equipo de Construcción de Escenarios: Darion Fiorino, Amit Hanadari-Levy, Rachel Horrigan, Jeena Park, Joseph Welsh, Trence Wilson-Gillem
Scenery Student Staff/Personal Estudiantil de Escenarios: Wilhelm Aubrecht, Elizabeth Sherman

PRODUCTION STAFF / PERSONAL DE PRODUCCIÓN

Director of Productions & Events/Directora de Producciones y Eventos: Pamela Lillard
Technical Director/Director Técnico: Fritz Bernstein
Props Coordinator/Coordinador de Utilería: Tim Ostrander
Master Electrician/Maestro Electricista: Steven Blasberg
Costume Shop Supervisor/Supervisora del Taller: Lisa Boquist
Computer Support/Soporte Técnico: Chris Christensen
Communications & Events Coordinator/Coordinadora de Comunicaciones y Eventos: Youngsun Palmer
Box Office Manager/Gerente de Taquilla: Julie Tibbits
Communications Assistant/Asistente de Comunicaciones: Aurora Ricardo

Kitchen Theatre Company

The Journey to 30 / El Viaje a los 30

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